Man sollte sich angewöhnen, hinter einer Spielberg-Produktion nicht immer einen großartigen Film zu vermuten, denn, obwohl dieser Regisseur schon Filmgeschichte geschrieben hat, ist er in solchen Fällen als Produzent meist nur Geld- und Namensgeber.
So verhält es sich auch mit Luc Besson – Frankreichs Actionregisseur par excellence – der sich mit Filmen wie Nikita, Das Fünfte Element und Léon – Der Profi ebenso ausgezeichnet hat, wie seine amerikanischen Kollegen.

Das neue Werk unter seiner Produktion, Colombiana (gedreht von Olivier Megaton), verspricht dabei leider kein üblicher Besson-Knüller zu werden.
Die Hauptfigur Cataleya (Zoe Saldana) muss in jungen Jahren mit ansehen, wie ihre Eltern von einem kolumbianischen Paten ermordet werden und schwört schon mit jungen Jahren Rache. Älter und ausgebildet von ihrem Onkel Emilio (Cliff Curtis) beginnt sie ihren Feldzug und hetzt sich damit betreffende Person und das FBI auf den Hals.

Nebenbei wird dann noch eine Liebesgeschichte angedeutet, Familienprobleme bleiben bestehen und einen Zwist zwischen FBI und CIA bekommt der Zuschauer auch noch serviert.
Nicht nur, dass dies zu viele Themen sind, werden sie auch nur halbherzig ausgebaut und durchgezogen. So wird beispielsweise der besagte Zwist in einer einzigen Szene quasi vom Tisch geschossen, als habe man die schnellste Möglichkeit genommen, das Thema anzusprechen und abzuhacken. Das ist ebenso unglaubwürdig, wie ein Mädchen, welches sich mit neun Jahren die Killer vom Hals zu schaffen weiß.
Die wenigen Actionszenen sind zwar recht gut umgesetzt, führen aber zu geradlinig zum definitiv nicht überraschenden Ende.
Filmidee und Schauspieler – eine bezaubernde Zoe Saldana ist der wahre Actionhit in diesem Film – hätten mehr Potenzial, doch die Macher entschieden sich eher für ein kurzweiliges, anspruchsloses Abenteuer, welches vielleicht zu schnell in der Transporter-Schublade landen wird.
Mit ein wenig mehr Konsequenz wäre man einer Nikita wesentlich näher gekommen.

So bleibt Regisseur und Produzent nur vorzuschlagen, sich beim nächsten Mal doch einfach an das zu halten, was ihr großer Landsmann Godard einmal prägte: „All you need for a movie is a gun and a girl“ – die Zutaten waren immerhin gegeben.

Ich hatte, im Nachhinein, das Glück, den letzten Band – und man mag es kaum glauben – nicht gelesen zu haben. Somit hatte ich keine Vorstellungen einer Romanvorlage, die entweder enttäuscht oder erfüllt werden konnten, sondern ging mit einer wohltuenden Aufregung und Anspannung ins Kino, endlich wissen zu wollen, wie das Epos endet.
Die Welt unterliegt (fast) dem Bösen, die Düsternis, die sich in den letzten Filmen, dank durchgehendem Engagement von Regisseur David Yates, stark aufgebaut hat, erreicht ihren Höhepunkt. Voldemorts (Ralph Fiennes) Armee steht vor den Toren Hogwarts und der einzige Ausweg ist der offene Kampf.

Soweit die Grundlagen, was dann passiert, bestimmt das Buch. Der Film setzt die Maßstäbe und gibt den Vorstellungen konkrete Bilder. Der Zuschauer sieht die Hauptdarsteller, die mit den Filmen gereift sind und nun vor ihrer größten Aufgabe stehen, sowohl in Bezug auf die Schauspieler, als auch auf deren Charaktere – gilt es doch, Erwartung nicht zu enttäuschen.
An und für sich ist dem Team ein abschlusswürdiger Film gelungen. Die Effekte lassen keine Wünsche offen und an Kampfszenen mangelt es ebenfalls nicht.
Was aber ein wenig zu kurz kommt, sind – und so schmalzig das auch klingen mag – Gefühle. Wenn ein langjähriger Freund in Form von Remus Lupin (David Thewlis) stirbt, so verdient das mehr als nur die Darstellung seiner Leiche und ein paar vergossener Tränen. Ebenso hätte der Kampf zwischen Mrs. Weasley (Julie Walters) und Bellatrix Lestrange (Helena Bonham Carter), der durchaus Gänsehautpotenzial gehabt hätte, spektakulärer, länger und aufwühlender ausfallen können. Vielleicht sollte man zur Rechtfertigung dessen sagen, dass einfach zu viele Möglichkeiten hätten ausgeschöpft werden können. Und immerhin flackert eben jenes Potenzial einmal auf, als McGonagall (Maggie Smith) wütend und ihre Schüler schützend auf Snape (Alan Rickman) losgeht.
Worauf der Film geradezu hätte verzichten können – und ich glaube, da sind sich die meisten Zuschauer einig – ist der Abschluss auf dem Bahnhof King’s Cross mit den nun erwachsenen Jungdarstellern, der definitiv zu einer Komödie ausartet.

Dennoch: Mission vollendet, Filmgeschichte (angesichts der Popularität) geschrieben!

Aber „Beziehungen“ ist schon mal das richtige Stichwort.
Bei einem Wechsel von teils schweren, teils leichten Themen, wie Verliebt sein, Tod, Trauerarbeit, neuen Lebensabschnitten, rechnet man eventuell doch mit einem schwermütigen Film. Mike Mills Werk Beginners allerdings verursacht bei weitem keine schwerfällige Gedankenarbeit. Im Gegenteil präsentiert sich der Film mit einer unglaublich schönen Leichtigkeit, die es sich anzusehen lohnt.

Im Endeffekt ist die Story simpel: nachdem Olivers (Ewan McGregor) Mutter an Krebs gestorben ist, macht sein Vater (Christopher Plummer) seine Homosexualität öffentlich, stirbt aber einige Zeit später ebenfalls an Krebs. Diese Geschehnisse sind jetzt nicht etwa vorweg genommen, sondern werden vom Film in achronologischer Folge selbst sehr früh offenbart.
Das tut der Stimmung aber keinen Abbruch, denn, während diese anti-klassische Erzählweise den üblichen Hollywoodkonventionen widerspricht, sorgt sie gleichzeitig dafür, dass der Zuschauer am Ende des Films nicht mit dem Tod Hand in Hand aus dem Kino geht oder ein klassisches Happy-End gezwungenermaßen hinterher geschoben werden muss.
Stattdessen wechselt die Vater-Sohn-Beziehung und ihre Themen des Outings, der Liebe zur Mutter und der bevorstehende Tod, mit der aufkeimenden und von Kitsch verschonten Liebe zwischen Oliver und Anna (Mélanie Laurent) und sorgt für angenehmen Ausgleich.

Mike Mills, der zum Teil seine eigene Autobiografie in dem Film verarbeitet hat, ist eine entspannte Tragikomödie gelungen, die weder philosophisch-intensiv noch oberflächlich wirkt.

The Tree of Life ist das neue Meisterwerk von Terrence Malick.
Das dürfte reichen, theoretisch bedarf es keiner anderen Worte!

Der Regisseur von Filmen wie Der Schmale Grat (einer der besten Anti-Kriegsfilme aller Zeiten) und The New World macht seinem Ruf als Poet des Kinos alle Ehre, denn er schuf ein Werk, das in seiner Gesamtheit eine wahre ästhetische Augenweide ist – in Bild, Handlung und Ton.

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der vollständige Artikel zum Weiterlesen befindet sich auf http://www.eann.de/filmkritik-the-tree-of-life/8969/

markante Szene aus The Company Men - Chris Cooper (2.v.r.)

Eine Rezension über die Rezession: Nur wer an höchster Stelle steht und Macht hat, wird verschont. Der Rest geht vor die Hunde, die Wirtschaftskrise trifft jeden (Amerikaner?!). So oder so ähnlich dürfte die Quintessenz des Films The Company Men von John Wells lauten, zumindest bevor es zu einem hollywood-wohltuenden Happy-End kommt – das sei jetzt nicht zu viel verraten, der Trailer tut’s nämlich schon.

Aber auf die Lösung des Problems kommt es dem Film weniger an. Vielmehr geht es um die Auswirkungen, die der Verlust des Jobs und somit des Selbstvertrauens mit sich bringen. Deshalb tat Regisseur Wells gut daran, seine Figuren mit ausdrucksstarken Schauspielern zu besetzen, allen voran Tommy Lee Jones, Chris Cooper und Kevin Costner. Der vierte in dieser Oscar-Preisträger-Reihe ist Ben Affleck, dessen Rolle dann noch den Bezug zu aufsteigenden und -strebenden Karrieristen herzustellen versucht.

Der Film hätte das Potenzial, eine starke Charakterstudie zu erstellen, scheitert aber zum Teil leider an seiner Oberflächlichkeit. Man mag sich im Ansatz vorstellen, was eine plötzliche berufliche Leere in einem auslöst, doch der emotionale Tiefgang lässt auf sich warten. So erfährt der Zuschauer nur das, was er vorher schon wusste – ausgenommen einiger Fachbegriffe, die einem einen kurzen Crashkurs in BWL geben dürften.

The Company Men erzählt nicht alles ausführlich, das ist Schwäche und Stärke zugleich. In der Schwäche wird beispielsweise die Beziehung zw. Robert Walker (Affleck) und seinen Filmkindern angedeutet, aber verbleibt unkommentiert an der Oberfläche. Dies wäre vor allem in Bezug auf familien-interne Veränderungen interessant zu sehen.
Dann aber, wenn es um die Verzweiflung Phil Woodwards (Cooper), die Wut und Enttäuschung von Gene McClary (Jones) oder die Einstellung von Roberts Schwager Jack (Costner) bezüglich ehrlicher Arbeit geht, zeigt das Charakterspiel der Darsteller mehr als man gesagt bekommt und da entfaltet der Film seine Stärke und rechtfertigt im Ansatz das Staraufgebot in der Besetzung – für Fans, wie mich, dennoch ein Traum.

Hauptdarsteller der Geschichte ist wieder einmal, neben Optimus Prime, Megatron und wie sie alle heißen, Sam Witwicky (Shia LaBeouf), dem es zum dritten Mal obliegt, die Welt zu retten. An seiner Seite diesmal eine andere, nicht minder schöne Frau: Carly (Rosie Huntington-Whiteley), die als Augenschmaus, aber eben nur in dieser Funktion, die unehrenhaft entlassene Megan Fox ersetzen soll. Aber auch an die Frauen hat man gedacht und Patrick Dempsey (eventuell bekannt aus „Grey’s Anatomy“) als menschlichen Gegenspieler Witwickys verpflichtet.
Während die beiden zuletzt genannten Figuren eher blass bleiben, machen die Parodien, denen sich Schauspielgrößen John Turturro, John Malkovich und Frances McDormand wohl wissend und augenzwinkernd hingeben, großen Spaß.

Die Handlung verläuft ohne jegliche Überraschungen – in einem klassischen Erzählstil auf ein Ziel hinarbeitend – und mündet letztendlich in dem, was Michael Bay am besten kann – blinde Zerstörungswut. In der letzten Stunde des Films wird vernichtet, was vernichtet werden kann: seien es Menschen, Häuser, Straßen – ach was, ganz Chicago!
Aber die Sache ist die: einige Werke von Bay kennend und schätzend, nimmt man es ihm nicht übel. Im Gegenteil, als die physische Welt grundlegend und im wahrsten Sinne des Wortes auf den Kopf gestellt wird, tut man gut daran, seinen eigenen abzuschalten und sich der einzigen Stärke des Films auszusetzen. Die Bilder und das Getöse versuchen dann mit aller Gewalt, den weiteren Handlungsverlauf auf der Stelle treten zu lassen und, wie gesagt, unter den entsprechenden technischen Voraussetzungen, vermag dies kurzweilige, einfache Unterhaltung bieten.

Somit darf man Bay dann doch zu Gute halten, dass er nicht versucht, eine neue Erzählform zu etablieren und stattdessen lieber, getreu seinem alten Konzept, die Fetzen fliegen lässt.
Getrost darf er sich zahlreichen Kritiken erwehren, wie er es auch schon bei Armageddon und Pearl Harbor getan hat: „I make movies for teenage boys. Oh, dear, what a crime.“

In der zweiten Regiearbeit von David Bowies Sohn Duncan Jones liegt es an Jake Gyllenhaal ein weiteres Attentat zu verhindern. Zumindest schien dies einmal die Quintessenz des Films gewesen zu sein, die sich dann aber leider wandelt in eine allseits umgebende Liebesgeschichte und den würdigen Abschied eines gefallenen US-Soldaten.

Aber der Reihe nach: Durch ein Programm des US-Militärs ist es möglich, das Bewusstsein einer Person in den Körper eines bereits verstorbenen Menschen in den letzten 8 Minuten seines Lebens zu transferieren. Eben dies widerfährt Capt. Colter Stevens (Gyllenhaal), der im besagten Zug nach dem Attentäter fahnden soll, um einen weiteren, noch größeren Anschlag zu verhindern. Dabei erhält er (mehr oder weniger) Unterstützung von Christina (Michelle Monaghan) im jenseitigen Zug und von Colleen Goodwin (Vera Farmiga) in der diesseitigen Militärbasis.

Jones Sci-Fi-Thriller mischt ein periodisch wiederkehrendes Ereignis à la „Und täglich grüßt das Murmeltier“ mit dem Thema der Bewusstseinskontrolle, wie in „Inception“ und der Möglichkeit, vergangene Ereignisse anders ablaufen zu lassen, wie es in „Déjà Vu – Wettlauf gegen die Zeit“ der Fall war.
Allerdings verrennt sich der Film, ähnlich dem oben genannten Werk von Tony Scott, zunehmend in einem Versuch der logischen Erklärung, welche Verwirrung stiftet und den Film für mich nicht mehr funktionieren lässt. Zudem enttäuscht die Schwerpunktverlagerung. Die Bombe im Zug ist schnell gefunden und die Suche nach dem Attentäter verläuft weitaus unspannender, als zu erwarten wäre. Dabei liegt darin großes Potenzial.
Viele Situationen in dem Zug springen einem förmlich ins Auge, um in die Handlung mit einbezogen zu werden und daraus einen spannenden Krimi zu machen.
Doch schon in seiner zweiten Reise ins andere Bewusstsein hegt Gyllenhaals Figur mehr als Sympathien für die schöne Michelle Monaghan. Das diese von Anfang an ähnlich und mehr empfindet, bemerkt man nicht nur in ihrem, den Film und jede 8 Minuten-Reise eröffnenden Satz: „Ich habe deinen Rat befolgt und er war wirklich gut.“, sondern auch in jeder weiteren Mimik und Gestik ihrerseits. Natürlich wäre auch ein spannender Film mit diesem Hintergrund entstanden, aber eben dieses Liebesspiel drängt sich so sehr in den Vordergrund, dass sie Grund für alles weitere Handeln ist. Dies Spiel und die nicht enden wollenden Bemerkungen über den Ruhm eines Soldaten und seiner Pflicht am Vaterland. Das Gyllenhaals Figur dann auch noch einen Konflikt mit seinem Vater ausbügeln will, ist zu viel des Guten.

Ich wünschte Jones hätte sich einmal mehr Bill Murrays Komödie, um einen zynischen TV-Wettermann, zum Vorbild genommen und daraus einen Whodunit-Thriller produziert, statt einige Subgeschichten so zu auszubauen, dass sie schon wieder per se ein Film sein könnten.

von Florian Schleinig

Würden wir diese Hanna auf der Straße treffen, im Supermarkt, in einer Bar, in der U-Bahn – wir würden sie bemerken, Jungen würden sich nach ihr umdrehen, vielleicht würden wir sie lange ansehen. Hanna wäre eine von uns; hübsch und normal. Niemand käme auf die Idee, sie sei mit Nikita bekannt. Ist sie auch nicht, aber „Anpassen oder sterben“ und ein Leben in der zivilisationslosen Abgeschiedenheit mit Hirschejagen, ohne Strom und fließend Wasser, vom Vater lernen wie man kämpft und tötet (nicht nur die Mahlzeit) ist nicht das Wesen eines blonden Mädchens, das man auf unter zwanzig schätzt.

Egal, Es geht ja um den Film selbst. Und der beginnt eben damit, dass die besagte Protagonistin Hanna, gespielt von Saoirse Ronan, sich eindeutig als Kämpferin positioniert, indem sie einen Hirsch erlegt. Als Trainingseinheit sozusagen. Denn das gehört zum Leben eines Todesengels, auf das sie ihr Vater Erik Heller, gespielt von Eric Bana, vorbereitet. Auf ein Leben als perfekte Kampfmaschine. Heller selbst ist bis dato immer auf der Flucht gewesen und daher in der Wildnis untergetaucht. Das offenbart er seiner Tochter erst, als sie sich als ausgebildet betrachtet und droht, flügge zu werden.

Damit wird wiederum der Antiheld auf den Plan gerufen. Das Böse personifiziert sich oft gern in weiblicher Form, dieses Mal als Marissa Wiegler, Herzdame Cate Blanchett. Sie jagte Jahre zuvor Hanna’s Mutter und Heller, nachdem dieser sich von seinen Emotionen leiten ließ und auf die gute Seite schlug, auf die der guten Seelen, zu der auch Hanna’s Mutter gehörte. Auf einer Flucht beider, tötete Wiegler Hanna’s Mutter.

Erst als Hanna beschließt das abgeschiedene Nest ihrer Jugend zu verlassen und Marissa Wiegler zu töten, erkennt der Zuschauer  ihren Plan, die wahre Präzision ihrer Kraft und Strebsamkeit ihres Willens, das Leben in der Zivilisation kennenzulernen. Es treibt sie an. Und sie glaubt schnell, Wiegler ausgeschaltet zu haben. Eine Szene übrigens, in der man die pure Brutalität erkennt, mit der Hanna ausgestattet wurde.

‚Wer ist Hanna?’ ist seit langem ein Film, den der Zuschauer im Gesamtpaket erleben muss. Seine Wirkung entfaltet er in der Kombination aus Held, Antiheld, Ort (der Streifen spielt zeitweise unter anderem in Berlin und Leipzig), Story und nicht zuletzt der gewertschätzten Filmmusik, in diesem Fall von den Chemical Brothers komponiert. Sie gibt den Takt, der dezent im Hintergrund des Films pulsiert. Sie setzt Hanna in Szene, verleiht Dynamik und dringt tief in den Gehörgang. Wirklich zu empfehlen. So wie der gesamte Film.

Das Ende – man mag es mir verzeihen – beurteile ich nur hinreichend, denn im Grunde soll man sich diesen ja selbst ansehen. Nur soviel: Es gleitet dahin, sehr dezent und getragen durch das immer wiederkehrende musikalische Thema.

Website des Autors:
stoffwechsel – auf ein Telefonat mit… (http://www.stoffwechsel-blog.de/)

Ein wild gestikulierender Captain Jack Sparrow (Johnny Depp -  aber wem sag ich das?!) darf sich wieder mehr um sich kümmern, als gleich die ganze (Piraten-) Welt retten zu müssen und rückt wieder in den Mittelpunkt. Die Story ist geradlinig – das Ziel, am Ende des dritten Teils bereits angedeutet, ist von Anfang an klar festgesteckt – und bedarf keiner Überlängen, um abgeschlossen zu werden (wobei eine sichere [soweit der Stand aus dem Hause Disney] Fortsetzung weiteres zeigen wird). Allerdings bewirkt dies auch, dass einige Dinge ungeklärt bleiben: das Schwert Blackbeards (Ian McShane) mit magischen Kräften und das legendäre Schiff Queen Anne’s Revenge verdienen keine nähere Erläuterung.

Die Freude war bei mir groß, Barbossa (Geoffrey Rush) und Gibbs (Kevin McNally) wiederzusehen, aber auch neueingeführte Figuren wie Blackbeard sind gut getroffen. Aber, so sehr ich Penélope Cruz auch mag, muss sie gleich die große Liebe Jack Sparrows sein? Natürlich darf ein weiblicher Part im Hollywoodstreifen nicht fehlen, aber ich hätte mich durchaus auch mit der Einstellung begnügt, Sparrow bliebe ewiger Junggeselle – schließlich ist die einzige Liebe eines Piraten doch die See, oder?! Vielleicht werde ich ja erhört und Angelica (Cruz) ist einfach nur die hohe See in Persona und zerfällt in einem der nächsten Teile in tausende von Krabben.

Als Fan von Hans Zimmer möchte ich natürlich noch den Score erwähnen – das alte Sparrow-Thema in unterschiedlichen Varianten ist immer schön anzuhören. Ach ja, Disney schießt natürlich wieder mit 3D um sich – Leute, spart das Geld. Selbst ein gezückter Säbel in Zuschauerrichtung vermag am Scheitern des Dreidimensionalen nichts zu ändern. (Aber zu dieser ganzen Thematik ist demnächst eh mal eine Auseinandersetzung notwendig und geplant.)

Fluch der Karibik 4 erreicht lange nicht das Niveau vom ersten Teil, aber geht zumindest wieder in die richtige Richtung.
Der Film bietet lustige Unterhaltung und ist es wert, wenigstens einmal gesehen zu werden.

„Es ist wieder passiert. Diesmal haben wir’s richtig verkackt.“

Treffende Einleitungsworte von Phil Wenneck (Bradley Cooper) höchstpersönlich. Bezeichnenderweise für The Hangover Part II?

Man ist ja bekanntlich skeptisch, was Fortsetzungen anbelangt. Manche funktionieren, viele gehen gründlich in die Hose. Wenn letzteres der Fall ist, ist das meist sehr schade für den ersten, erfolgreichen Teil. Was kann man erwarten von einem Film, der dasselbe Muster seines Vorgängers übernimmt?

Nichts neues… aber geniales! Jedem dürften viele Parallelen, Sketche auffallen, die in The Hangover Part II einfach übernommen wurden. Dennoch sind die Gags komisch und machen Laune! Das liegt zum einen an den Figuren: der verklemmte Stu (Ed Helms), der erst am Rande eines Nervenzusammenbruchs aus sich herauskommt, aber die wohl krassesten Erfahrungen durchlebt; Phil (Bradley Cooper), dessen Aufwachen ein Erlebnis an sich ist (wem erging es nicht schonmal ähnlich) und natürlich Alan (Zach Galifianakis), der Liebling der Zuschauer, der Mann, dessen Erscheinung allein schon zum Lachen ist. Aber auch die Nebenrollen mit Doug (Justin Bartha), Mike Tyson (as himself) und Leslie Chow (Ken Jeong) – der verrückte, doch nicht schwule Asiate – entfachen Wiedererkennungsfreude. Zum anderen – und das ist kurz gesagt – liegt es an der Absurdität der Situationen, in denen sich die 3 Männer befinden. Bangkok als neue Location tut nebenbei ihr Übriges.

Sie haben es verkackt, ja in der Tat. Denn wer (vor allem: wieder) in solche Situationen gerät, dem ist nicht mehr zu helfen. Ein The Hangover Part III ist somit genehmigt: bitte Jungs, verkackt es bald erneut!